Biography
Entre terres écorchées et éden perdu
La peinture d’Alex Claude est assurément de celle dont je ne me dépars pas. Elle interroge mon regard de ce qu’il convient d’appeler aujourd’hui des « paysages perceptifs ». Espaces imaginaires, à coup sûr, mais aussi interprétations vivantes d’un environnement au moins autant psychique que physique.
Qu’est-ce à dire ? Que mon ressenti s’accorde avec une approche sensorielle et une subjectivité assumée. Telles m’apparaissent au premier regard les œuvres d’Alex Claude, tour à tour sombres, calmes et silencieuses ou, a contrario, traversées d’une énergie qui dit parfois l’ébullition et le chaos : deux sensibilités qui donnent aux peintures tout leur relief, ne laissant personne indifférent. Celui qui regarde est immanquablement appelé à interpréter ce qu’il voit, façonné par ses savoirs et sa culture, mais aussi sa sensibilité et sa subjectivité.
Et que perçoit-il précisément dans cette répétition d’environnements paysagers qui disent parfois la noirceur et la pesanteur de ce que l’on désignait naguère par « états d’âme » ?
D’abord des espaces s’ouvrant sur des horizons suspendus, où la figuration laisse place à l’organique. Ensuite des silences contemplatifs où la nature, quelquefois apaisée, apparaît comme la promesse nostalgique d’un paradis perdu. Dans d’autres œuvres, à l’inverse, le spectateur est confronté à des visions hantées par des forces telluriques qui s’expriment par la couleur resserrée en camaïeux de gris. Le geste quant à lui attaque souvent le support, tels les récents Paysages écorchés (2026) inspirés de la Grande Guerre. Enfin – et peut-être surtout –, un espace de contemplation et de réflexion qui interroge la subjectivité de celui qui regarde. Sans doute la peinture lui renvoie-t-elle des questionnements multiples. Ces paysages imaginaires agissent comme des structures de projection, des espaces transitionnels où le spectateur est invité à faire l’épreuve de sa propre intériorité.
État des lieux imaginaires
Je suis toujours surpris par la ligne d'horizon, presque systématiquement haute, qui écrase la perspective classique et sature l'espace. Ce procédé formel met en scène une dynamique étouffante, un huis clos minéral où le ciel n'offre plus de délivrance, mais pèse de tout son poids sur une terre en gestation. La matérialité de l'œuvre — faite de grattages, d'effacements et de coulures — révèle le geste créateur dans sa dimension la plus pulsionnelle. Griffer la toile, ce n’est pas seulement dessiner ; c’est inciser le visible pour révéler le refoulé de la forme, faire jaillir sous le glacis superficiel la dimension du sensible.
La palette restreinte, rythmée par des harmonies assourdies de gris bistre, de noirs profonds et de bleus crépusculaires, revendique une économie chromatique. En refusant le bavardage de la couleur pure, Alex Claude choisit l'ascétisme du deuil ou de la mélancolie, convoquant l'ombre d'un romantisme tardif à la manière d’un Pointelin. Quant à la lumière, elle ne frappe pas la scène de l'extérieur ; elle sourd de la matière, comme une pulsion de vie résistant à l'effacement total.
En définitive, ces panoramas désertés d'humains sont tout sauf vides : ils sont saturés d'une « présence absente », de cette absence qui devient in fine une forme de présence paradoxale, celle-là même développée par J. Derrida (1967) et P. Ricoeur (2000). L’art d'Alex Claude réside dans cette capacité à donner corps à l'informe et à faire du paysage le miroir d'une archéologie intime, là où la peinture cesse d'être une image pour devenir pure subjectivité.
Regarder une œuvre d’Alex Claude, dépouillée de tout artifice et de toute anecdote, c’est accepter de voir son œil violenté au-delà de l'évidence immédiate des représentations. Ses toiles ne décrivent pas la nature ; elles en capturent l’anatomie secrète à travers des paysages nervurés. Sous son pinceau, la matière picturale devient une peau sensible où la touche, tour à tour soyeuse, caressante, fugace ou féroce, se déploie jusqu’à de stridentes incisions à sa surface.
Limiter tout l’œuvre peint à la seule performance du geste serait pourtant un écueil. Derrière la fulgurance d’une facture expressionniste se cache une rigueur conceptuelle. Chez Alex Claude la couleur ne crie pas : elle se mure dans une économie de moyens, se concentre dans des tonalités assourdies — noirs, gris, brumes bleutées et ocres. C'est précisément au cœur de cette ascèse chromatique, qui évoque la mélancolie contemplative d’un Whistler, que la lumière commence à scintiller d’un éclat singulier.
Ses panoramas, purifiés jusqu'aux frontières de l'abstraction, tirent leur immense pouvoir de fascination d'une tension paradoxale : l’apparente répétition du même motif affirme à chaque fois un statut poétique différent, plus impérieux. Les perspectives plongeantes structurent un espace suspendu, hors du temps.
C'est ici que réside la réussite absolue de cette peinture : l'harmonie parfaite entre le mouvement instinctif du pinceau et l'intelligence de la pensée qui en orchestre l'exécution. En grattant la surface du monde, Alex Claude donne à la peinture sa plus belle expression : celle d'un espace mental universel, à la fois blessé, silencieux, touchant et profondément humain.
Du paysage subjectif à la cartographie du sensible
J’ai longtemps cru que les similitudes qui caractérisent l’œuvre d’Alex Claude ne relevaient que de la « répétition du même » et non de « l’identique » (M. de M’Uzan, 1970), influencé en cela par mon approche psychanalytique. Cela reste vrai, dans la mesure où la réitération d’une esthétique reconnaissable d’une œuvre à l’autre fait surgir de subtiles variations qui les différencient les unes des autres. Tout se passe comme si chaque production picturale engendrait de légères nuances. L’altérité créatrice d’Alex Claude y est nettement perceptible pour celui qui pénètre l’univers de ses paysages réinventés. Déclinaison poétique, art de la métaphore et de la métamorphose, tout dans son œuvre est remémoration symbolique (« même »).
Mais il y a plus. Je fais aujourd’hui le pari de penser que les réseaux de ses œuvres, tissés avec constance, renvoient au « rhizome », concept largement développé, toujours dans les années 70, par G. Deleuze et F. Guattari. Si, à l’origine, la notion appartient aux savoirs, elle trouve ici sa justification dans la mesure ou ce qui est donné à voir et à éprouver relève d’une structure transversale. Rejetant toute idée de hiérarchie et d’organisation, ascendante ou descendante, le travail de l’artiste constitue un réseau complexe horizontal et interconnecté, où chaque œuvre se justifie par celle qui la précède et celle qui la suit. Cette interdépendance fonctionnelle, ce lien quasi organique d’une peinture à l’autre permet de dépasser les simples représentations de la nature pour devenir un espace de pensée complexe. Matière, structure et geste pictural constituent un atlas imprévisible, une carte sensible non pas de lieux géographiques précis, mais d’horizons sans repères spatiaux. Qui peut dire en effet où sont les premiers et les arrière-plans, le proche et le lointain ? Qui peut situer précisément le point focal unique ? Qui peut distinguer les lignes de fuite ? Enfin, qui peut, dans certaines œuvres, fixer les limites physiques entre le ciel et la terre, le haut et le bas ? Voire le connu et l’inconnu ?
Sans début ni fin, les connexions s’enchaînent et relient chaque œuvre en une organisation qui défie les lois de la représentation d’Alberti (XVe siècle). Ici, pas de « fenêtre ouverte » sur un monde qui ne serait, ni plus ni moins, qu’une représentation régie par les conventions héritées de la Renaissance, mais des peintures qui évoluent elles-mêmes au fil de leur exécution. Tels s’affirment les Paysages sans fin (2026) qui fragmentent des immensités et semblent se prolonger bien au-delà du champ de la peinture. Reliés les uns aux autres de manière horizontale, les paysages dessinent une cartographie du sensible, au cœur même de la recherche obstinée de l’artiste. Ses œuvres ne sont pas figées par une narration : pas de commencement ni de conclusion entre lesquels s’inscrirait un développement linéaire. Pas plus qu’elles ne se développent à partir d’un modèle arborescent. Alex Claude capture un état transitoire, un flux de matière en perpétuel mouvement, suspendu entre l’abstraction pure et l’évocation de la nature. Au travers du filtre de la pensée deleuzienne, ses paysages ne se regardent pas comme des lucarnes ouvertes sur le monde réel, mais se parcourent comme des réseaux d'intensités et de matières sans fin. Le prisme qu’il adopte est un espace réseau constitué d’interactions, de modulations et de variations d’où surgissent des territoires singuliers. Résolument contemporaine, sa peinture crée des topographies en devenir, des espaces subjectifs, des territoires dynamiques où les trajectoires ne sont jamais figées ni déterminées à l’avance. La compréhension systémique de la création d’Alex Claude permet ainsi de penser les interdépendances de chacune de ses œuvres en une logique d’interactions constantes.
Néanmoins, il est une évidence paradoxale. Chaque œuvre possède sa valeur intrinsèque et n’a besoin d’aucune justification extérieure pour exister ; mais si l’œuvre est un monde en soi, si je peux la qualifier d’autoréférentielle, elle reste toutefois liée à cette vision singulière de l’artiste. Tour à tour influencée par la théorie de « l’Art pour l’art » chère à Baudelaire, par le désintéressement kantien et des formes qui se suffisent à elles-mêmes, la conception d’Alex Claude n’a toutefois pas renoncé à l’originalité d’un travail ambivalent où la dépendance de chaque œuvre rivalise avec sa souveraineté. Toutes ses productions picturales oscillent entre complémentarité et émancipation, sur une ligne de crête à l’équilibre instable. Cette fluidité permanente est à mettre au compte de la démarche de l’artiste, de sa puissante vision du monde et de sa conception originale de la peinture.
Quand Alex Claude pense son environnement comme agencement multiple, il m’invite à percevoir des paysages où le temps et l’espace sont abolis ; où les éléments connectés de son réseau défient des lectures préétablies ; où les formes bousculent et remettent en question mon regard ; enfin, où la répétition apparente complète et enrichit une création inattendue, expérimentale et infinie.
Telle m’apparait avec le temps, et un certain recul, le travail ambitieux d’Alex Claude. Exploration complexe et difficile s’il en est, mais passionnante et ô combien inspirante. Au spectateur de faire corps avec l’œuvre, de repousser ses propres limites, de devenir, in fine, un cocréateur en y traçant son propre horizon. Tentative ardue et riche de tous les possibles.
Olivier Deshayes
Olivier DESHAYES
Agrégé de l'Université, docteur en esthétique et sciences de l'art
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Alex Claude est né en 1971
Il vit et travaille à Strasbourg
Formation
École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, DNSAP avec félicitations du jury
École supérieure d’art de Lorraine, Épinal
Prix, bourses
Boursier du Chelsea College of Art, Londres
Lauréat du Prix de l’estampe, Jury des Fondations, Paris
Sélectionné pour le 10e Mois de l’Estampe, ensb-a, Paris
Sélectionné par la Peter Stuyvesant Foundation pour le Prix de l’Estampe au 10e SAGA/FIAC
Expositions (choix)
2026, Galerie Bertrand-Hassoun, Besançon
2026 49ème édition du Salon des Antiquaires, Besançon
2026 Galerie Decorde, Strasbourg
2026 PAYSAGES ÉCORCHÉS, résidence à La Trézorerie, Strasbourg, France
2026 Art Capital, Grand Palais, Paris, France
2025 Galerie Bertrand Hassoun, Besançon, France
2025 Musée Sarret de Grozon, Arbois, France
2023 Galerie Bertrand Hassoun, Besançon, France
2023 Festival Artcité, Fontenay-sous-Bois, France
2023 Galerie Dans la forêt, La Chaise-Dieu, France
2022 Galerie L’Oiseau rare, Strasbourg, France
2022 Festival Feel’Art, Audincourt, France
2019 La Nuit des Arts, chez UH5, Roubaix, France
2019 Biennale d’art, Civitella d’Agliano, Italie
2018 P/CAS - by YIA ART FAIR, Carreau du Temple, Paris, France
2017 Musée Jean-Léon Gérôme, Vesoul, France
2016 Biennale d’art, Besançon, France
2016 Musée de la Tour des Échevins, Luxeuil-les-bains, France
2010 Galerie des Ursulines, Vesoul, France
2005 Skurups bibliotek, Skurup, Suède
1999 Salon de la Jeune Peinture 50e édition à l'Espace Eiffel-Branly à Paris
1999 Galerie Cottard-Olson, Stockholm, Suède
1998 Galerie La Lune en Parachute, Épinal, France
1998 Galerie Jean-Louis Magnan, Paris VI, France
1998 École des Beaux-Arts de Paris, Exposition des élèves diplômés félicités par le Jury
1998 Festival Arte Viva, Sénigallia, Italie
1996 Institut français de Bucarest, Roumanie
1995 Ambassade de France, Bucarest, Roumanie
En permanence à la galerie Bertrand Hassoun de Besançon en France, galerie Decorde à Strasbourg, à la galerie Velvet Room à Gand en Belgique, et à la galerie Negenpuntonegen à Roulers en Belgique.
Présent dans de nombreuses collections privées, principalement en Europe mais aussi au-delà, ainsi que dans diverses institutions publiques telles que le musée Sarret de Grozon, Arbois, le musée d’Art et d’Histoire de Belfort, le musée Jean-Léon Gérôme de Vesoul, la Bibliothèque nationale de France, ou encore le Artplu Museum of Contemporary Art à Shanghai, en Chine.
In the pemanence in galleries :
https://www.artsper.com/fr/artistes-contemporains/france/50049/alex-claude
https://www.galeriedecorde.com/artistes/claude